Interpretando los contemporáneos
Inaugurada el 11 de enero de 2019
Esta pequeñísima muestra de lo que quiere acercarse a lo que es una interpretación de los pintores contemporáneos está realizada por 3 personas que no queremos otra cosa que acercar el arte a nuestros amigos y familiares. También deciros que la hemos desarrollado con mucho trabajo e ilusión.
En principio, la idea fue muy simple, ¿Y si hacemos una exposición imitando
Comenzamos con el cuadro de un famosísimo bodegón, “bodegón con cacharros” de Zurbarán, fechado en 1650, realmente este pintor extremeño, no pertenece a los contemporáneos, (pintor del siglo XVII), entre los críticos de arte se habla de la actualidad de la pintura de Zurbarán como de una “estilización buscada, premonitoria de la abstracción cubista”.
Para Zurbarán la libertad real consiste en trascender las prohibiciones, las reglas y transformar toda exigencia en la ocasión propicia para crear una obra maestra. Esta actitud de no esclavizarse a las reglas es el germen de la creación, el que se encuentra así mismo.
En su obra, se ven 4 jarras alineadas, 2 de ellas, en los extremos, reposan sobre unas bandejas de estaño, tres jarras son de barro y la de la izquierda es de metal dorado. Los objetos están en el mismo plano, se trata de una galería de formas, tamaños y materiales diversos, loza, barro cocido, y metal, también es un tratado de líneas, curvas, volúmenes, y distinto comportamiento de luz en cada material. Ninguna fantasía atrae la atención, fondo en un sólo tono oscuro, simplicidad, comienzo de la abstracción...
La interpretación de los artistas, la realizan los tres sin verse entre sí, es una vuelta de tuerca que prefieren que sea el espectador el que observe y opine.
Original
Interpretación
¿Y si cada uno elije un cuadro de Matisse y lo interpretan?
Nos encontramos ante un artista innovador, que se convirtió en uno de los máximos precursores de lo que se denominó el movimiento fauvista (fieras) y que ha marcado la historia del arte moderno. En su obra el color no pretende describir la realidad o el objeto, si no que es un gritó a la libertad de expresión de emociones y vivencias personales del artista que se expresa a través del color, la simplicidad y el aplanamiento de las formas, pero que ante todo, no dejan indiferente al espectador.
La extraordinaria importancia de Matisse en la historia del arte contemporáneo fue
decisiva, está considerado como un artista cuyos lienzos son difíciles de imitar, las obras aquí representadas han sido un intento de imitar esa energía, ese colorido, de conectar con la esencia. No de intentar copiarlo, sólo interpretarlo para conectar con esa corta transición que sirvió para dar un salto hacia el arte moderno. El fauvismo duró apenas 4 o 5 años, en los primeros años del siglo XX.
Asensio elige “Bodegón con manzanas en un mantel rosa” de 1924, como veis comparándolo con el original es una interpretación en la que desaparecen objetos y aparecen otros distintos, pero la impronta es de ser muy parecido.
Ángeles Ros elige “Paisaje Mont Alban” de 1918, Es más parecido , lo único es que no le ha preocupado el tamaño ni las formas de los detalles.
Cristina “Blue Still Laif” de 1907, ha simplificado el modelo y ha sustituido una maceta por otra.
Originales
Interpretaciones
El impacto de Vicent Van Gogh sobre el arte todavía está alterando la manera en que la humanidad ve la belleza, el personaje, la individualidad, y el estilo.
Sus miles de obras han sido copiados por miles y duplicados por nadie.
Lo más importante es que los artistas hoy en día siguen intentando imitar su estilo,
creado hace ya más de 100 años. Fue esencialmente autodidacta y la calidad de su obra fue reconocida solo después de su muerte.
En nuestros días, Van Gogh es considerado unánimemente uno de los grandes genios de la pintura moderna. Su producción ejerció una influencia decisiva en todo el arte del siglo XX, especialmente en el fauvismo y el expresionismo; y tras más de un siglo de
experimentos artísticos, la pincelada tosca y atormentada del artista holandés,
alimentada por el vigor de su pasión interior, conserva toda su fascinante fuerza expresiva. Su nuevo estilo influyó definitivamente en la historia del arte contemporáneo.
Queriendo homenajear a este gran artista, Asensio, Cristina y Ángeles comparten estos dos cuadros, del “Café Terrace” escogiendo un trozo central y lo dividen en tres, y cada uno intenta imitar a Van Gogh, de este cuadro destacar que el intento fue pintarlo tal y como es en realidad. La sorpresa cuando las juntan es que parece hecho por una sola persona; y de su cuadro “La habitación de Van Gogh en Arlés”, del que él mismo realizó tres versiones, eligen uno y lo dividen nada más y nada menos que en 6 trozos, sorteando entre los tres y cada uno realizó dos partes. En este sí que se ve la diferencia entre los colores elegidos y los trazos diferentes, a Asensio le tocó la parte de la ventana y en vez de pintarla cerrada como el original la abrió, y por parte de Ángeles los fondos de los cuadros que hay en la derecha, por otros que también son de Van Gogh y que le gustan más.
Originales
Interpretaciones
De los siguientes tres cuadros, ¿Y si escogen cada uno un pintor y los interpretan en el mismo formato?
Cristina escogió a Gustav Klimt, Asensio a Marc Chagall y yo Ángeles Pablo Picasso.
Las obras de Klimt se caracterizaron, en su primera etapa artística, por cultivar un estilo ecléctico. Con posterioridad, Klimt fue uno de los protagonistas del movimiento artístico que lo haría pasar a la historia: El Modernismo (Art Nouveau), desarrollado en Europa principalmente a principios del s. XX.
“El beso de Klimt" de 1907 es una obra que sigue los cánones del simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos sobre fondo dorado.
Aquí Cristina ha descentrado la figura y lo ha interpretado con menos recarga en las
decoraciones de los trajes.
Marc Chagall es otro de los padres del modernismo, sus obras son peculiares, ricas en ideas inusuales, ambientes mágicos y mundos misteriosos que se encuadran en un abanico de estilos modernos, especialmente surrealismo y cubismo.
“Doble retrato con vaso de vino” de 1917, en realidad se trata de un autorretrato en el que el artista aparece con su esposa, llamada Bella. Es fruto de una época de pasión y reverencia a su mujer. En este caso Asensio ha interpretado los colores y las figuras las ha esculpido en relieve, además la ha añadido un personaje “El violinista” que es de otro cuadro de Chagall, realizado en 1912.
Como veis ha quedado una obra muy resultona, colorida y deslumbrante, lo digo por la luz que parece salir del cuadro.
Pablo Picasso es considerado desde el principio del siglo XX, como uno de los mayores pintores que participaron en muchos movimientos artísticos que se propagaron por el mundo y ejercieron una gran influencia en otros grandes artistas de su tiempo. No podemos hablar de un estilo concreto. Su libertad estilística hizo que pasara de un estilo a otro sin transición, Su genio fue el material principal de su arte.
Representaba la rama del arte contemporáneo más física, la necesidad de pintar, de crear de forma material.
“La lección” de Picasso, 1934, Ángeles ha recreado este dibujo cambiando el fondo y algunos colores, ha descentrado el dibujo para alargar la parte baja del cuadro.
En fin, cada uno de los artistas se ha atrevido a jugar con estos genios de la pintura del siglo XX..
Originales
Interpretaciones
Todos sabemos que Salvador Dalí fue uno de los artistas más grandes
del siglo XX, su estilo artístico, sus ideas y su extravagante personalidad han creado un mito alrededor de su nombre que le ha coronado como el rey del surrealismo.
Han realizado tres retratos de Dalí, cada uno a su manera y con su significado.
Asensio ha esculpido el cuadro, utilizando un estilo propio, recreándose con cartones y masas, modelando con sus manos cada detalle, junto al retrato, ha destacado una de las obras más emblemáticas de la primera época de Dalí, “Muchacha en la ventana”, que representa a su hermana Anna María asomada en la ventana, de espaldas, en la casa de vacaciones familiar en Cadaqués, ella fue la modelo del artista hasta que conoció a Gala en 1929.
El retrato de Cristina establece una consonancia de colores análogos, tanto en la luz
como en la sombra, mediante la que se consiguen gamas muy armoniosas de colores planos que equilibran la composición. Esta forma de representación se caracteriza por el realismo de la obra. El fondo, en tono claro y plano en el resto del lienzo evoca la transparencia del aire y en este espacio, una mosca.
Peculiarmente Dalí, presentaba un bigote imposible, estilizado a base de azúcar de dátil, porque en ese momento era un apasionado de las moscas limpias, las que se pasean por detrás de las hojas de los olivos. Se ponía miel en la comisura de los labios y esperaba a que una de ellas se acercara, poco a poco, hasta llegar al dulce líquido. Cuando estaba en el punto exacto cerraba de un gesto los labios y la mosca quedaba atrapada en forcejeo.
Al vibrar con su aleteo producía enorme placer al artista. Era esta una relación especial, la mosca y Dalí, y más aún aquella que se posó en su bigote, uno de los momentos más maravillosos en la vida de Salvador, según él mismo.
Retrato de Ángeles. Los retratos en blanco y negro añaden complejidad y carga emocional al retratado, la característica de la ausencia del color hace que nos fijemos mucho y de manera especial en otros detalles más importantes cono la expresión del rostro o su mirada. El color desvía nuestra mirada, por ello el retrato en blanco y negro es tan hipnotizante. En este caso, ha querido ir más allá, ha pintado a color un paisaje onírico, estéril, o de ensueño, típico de Dalí. Y el retrato de Dalí en negro, además le he añadido la dureza y textura de la marmolina a la pintura para conseguir aumentar la expresividad de la imagen.
En este paisaje ha esculpido una roca, como la que aparece en la obra de Dalí titulada “Libre inclinación del deseo”, obra de su periodo surrealista que representa una gran roca con forma de falo, junto con hormigas, llaves y otros elementos aleatorios, queriendo expresar sobre la libertad sexual del ser humano.
Original
Interpretaciones
Y para terminar, contaros cómo han realizado el cuadro interactivo, que surge por la experiencia de un trabajo anterior.
Primero pintan la tabla con pintura magnética, una vez seca, pintamos este fondo estilo dalidiano, donde un suelo yermo y árido dibujan el horizonte con el cielo. Cada uno elige objetos o personajes de sus obras, no olvidemos que Dalí además de pintor eradibujante, grabador, fotógrafo, escultor, diseñó joyas, también colaboró en el cine y lo que se le presentara.
Por ejemplo, Asensio eligió esta especie de mujer de la obra titulada “La jirafa en llamas”, es un motivo apocalíptico donde el pintor explora toda clase de facetas psicológicas de la mujer.
Cristina realizó esta magnífica obra de “Los elefantes” Estos elefantes que caminan con sus largas patas, delgadas y delicadas, que en teoría deberían ser un símbolo claro de fortaleza, de solidez, Dalí le da la vuelta a este concepto y los convierte en seres frágiles con patas de araña que además transportan un enorme peso.
Ángeles, elegió uno de sus famosos relojes blandos, de la obra “La persistencia de la memoria”, con ello Dalí consigue desorientar al espectador, creando objetos y formas sin significación tradicional. El Reloj blando simboliza la rapidez del tiempo de una vida.
Por otro lado, Cristina ha recreado también 2 joyas famosas diseñadas por Dalí, una es “El ojo del tiempo” que simboliza la imposibilidad del hombre de escapar a su tiempo. Y otro, un broche de rubíes y perlas inspirados en los labios de Marilyn Monroe.
Con estas piezas y alguna más que han realizado, el espectador puede jugar, tocar, observar y componer lo que quiera en este lienzo casi vacío y dejar alguna composición que le guste.
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